「声音艺术家」是一种怎样的存在？ 了不起的苏小姐，《布林客》杂志创始人/主编（公众号：blinkzine） 声音艺术家（Sound Artist）当然就是从事和研究声音艺术（Sound Art）的表达者和学者。 声音艺术可能在音乐学／乐理学专业人员和视觉艺术（Visual Arts）领域的理解和定义不一样，而这个概念又在不同国家的艺术教育体系里也不一样，所以，我作为美国视觉艺术专业毕业的背景，只能谈一谈我个人在这方面的接触和理解。同时，我自己不是声音艺术家，只是了解一些装置艺术和新媒体艺术里的作品，所以我写的不一定是标准答案，只能提供一个角度。 首先，声音艺术（Sound Art）在美国艺术界是一个专门的艺术表达门类，是属于当代艺术中的一种，主要是指把“声音视为表达思想的一种工具，一种媒介”。而就我们的感官和理解而言，声音是极为复杂的，除了视力和听力有障碍的人群之外，正常人对于声音和图像的记忆和理解通常是相辅相承的。尤其是对于［语言］这个概念而言，文字，声音，发音，和图像意义的联系是语言学和心理学一直研究的话题，而这个［语言］也是当代艺术探讨的范围。 我们人类是先有了脑海里的画面才产生的语言的发声，还是由声音的“模样”联系到图像与事物的意义？这是一个有趣而复杂的话题。 由于这个声音和图像的杂糅性质，声音艺术的本质也是杂糅的。在我所接受到的教育里，声音的艺术一定会联系到视觉图像。这个图像不一定是包含在作品之内，但一定存在于观者的理解里，也就是声音接受者的脑海里。 用美国声音艺术定义之父 William Hellerman 的话说就是，hearing is another form of seeing。 在美国的当代艺术领域，声音艺术应该是无处不在的。 声音装置作品发展得如火如荼，电子实验音乐（experimental electronics）也在地下艺术市场不断革命，而对于原声（raw sound）的采集、搜藏、编辑、创作也是声音艺术的重要一块。视频艺术需要声音自然不用说，“无声”的绘画和雕塑排在美术馆里，白色背景下人们小声说话、低声细语的声音环境也可以视作是这些作品的声音。 而说到底，声音艺术做出来是一定要给人听、给人看的；而如何听／看，何如理解，这里的每一环都关系到我们个人。所以，声音艺术说到底是关于“人”的艺术。 听力，是我们身体器官延伸出的一只手。声音艺术自然也关乎到我们的身体，我们生活的环境，我们存在的状态，我们的文化理解，我们的科技与生命。 从美国艺术史来看，声音艺术的发展形成和达达主义、超现实主义、Situationist International, 和 Fluxushappenings 分不开。而这个杂糅的艺术形态又和多个艺术种类相接壤，例如：概念艺术，新浪潮诗歌，极简主义，实验剧场（experimental theatre），尤其是达达主义发起的“声音诗歌”（sound poetry）。有兴趣的同学可以去找来意大利未来主义艺术家 Filippo Tommaso Marinetti, 1914 年创作的声音诗歌《Zang Tumb Tumb》（也叫做 Zang Tumb Tuuum) 的音频来听听，你一句意大利语不懂，也能大概猜出个大致意思。最好可以看几个后来网友添加的视频画面配上音频，效果更佳。 需要更多专业知识的朋友也可以参考下面这本 Alan Licht 的书《Sound Art》： 就我个人的理解而言，声音艺术家既包括专门研究“声音”的艺术家，也包括利用声音进行视觉表达的艺术家。也就是说，将声音物化、视觉化，也是拿声音为媒介做艺术的一种。这种声音可以是音乐，可以是噪音，可以是电流的原音，可以是环境音（environmental noise），也可以是无声（有没有纯粹的无声，那是另一个问题）。 就声音产生到被接受的过程来看，必有这三方面： 1. 发声体／声音源 （a source of audio） 2. 震动和媒介以供声波的传播（a vibration of sound waves and a medium to transmit the waves） 3. 耳朵／接收器 从这三方面看，声音艺术家的主要研究对象和创作方向也可以得出了：是什么在发出声音？声音是如何产生和传播的？声音是被怎样接受和理解的？ 在声音的传播里，每一环节都是那样的具体，所以，我们又可以说，声音是最“真实”，最富含“证据”的一种表达。每一种声音都带有其发声源的特性，承载了声波传递环境里的状态，并直接受到听者接受的主观影响。所以，每一种被听到的声音都涵盖了它的发生、传递、接受时所经历的一切，真实而充满秘密。 由于声音是一个看不见，摸不着的东西，但却是实实在在存在我们生活里的重要一员，所以，将声音物化、视觉化、具体化，在我看来，是很多声音艺术家想做的事情。 MEDIATIONS (towards a remake of Soundings), 1979/1986_4'17 min_Gary Hill 美国新媒体艺术家 Gary Hill 的这个作品就是明显的将声音物化的一个作品。在这个视频里，艺术家在一个音箱上开始撒米，然后自己一边说话，声音从 speaker 里发出，米粒就会随着声波一起跳动，高音低音都会产生不一样的米粒震动，视频的最后，米粒把 speaker 掩埋，盖住了声音。 后来也有人做了类似的试验，在铁板上撒上粗盐，然后底下放一个 speaker，播放不同频率、音调的声音，铁板上的粗盐就会自动排列成不同的几何图形，YouTube 上也有完整的视频，作为一个文科生，我表示看的非常爽。说到底，声音就是一种波，这种小实验就是把这种看不到的物理存在物化给你看。 再聊几个让我印象深刻的声音艺术作品。首先是美国音乐家 David Byrne 在伦敦做的一个大型装置作品，“Playing The Building”。 David Byrne 本人并不是视觉艺术家，是个实打实的音乐家和歌手，是得过奥斯卡、格莱美和金球奖的作曲人，著名的《末代皇帝》的电影音乐就是他和坂本龙一一起做的。但他做的这个装置作品却让我记住了他。 这个“Play the building”的作品，可以就字面去理解——就是像弹奏钢琴一样的弹奏一座废旧的老建筑。每个琴键都连接着老剧院的某一个结构，有的是钢材，有的是木头，有的是玻璃，人们在钢琴上弹奏，产生撞击（摩擦）的是老房子的不同部分，就会发出不一样的声音，各有音色和音调，虽然这些声音不像钢琴琴弦那样行云流水，但却是一个老剧院“真实”的发声。具体操作见下图。 这个作品也是典型的交互性装置艺术。来此参观的人们会在排队，挨个上前，来一段 solo，随便试试，老房子也呀呀作响。 另一个声音艺术的著名作品就是 Susan Philipsz 的装置作品“Lowlands”，艺术家自己哼唱了一段苏格兰民谣“Lowlands”，声音部分包括三个部分，然后通过喇叭，将这段吟唱的声音安装在了格拉斯哥的 George V 大桥下，喇叭分别装在三个不同的地点。音乐、艺术家的声音、和桥上桥下的人声、河水声合为一体，成为了这一作品里的声音部分。 Susan Philipsz 凭借这个作品获得了 2010 年的 Turner Prize，但是在 Tate Modern 展览的时候，这个作品在空荡荡的展厅里，除了声音什么也没有。于是，很多人不理解为什么这个作品会获奖，很多人质疑 Susan Philipsz 的资格。 那么，理解这个作品就必须要提到“声音”产生、传播和接受的环境。 我认为，作品当时展示的地点是构成这个作品完整的重要部分。要知道格拉斯哥的 George V 大桥是当地的自杀圣地，每年都会有无数人来这里结束他们的生命，而被装上了喇叭的大桥立马环境和氛围被 Susan Philipsz 的歌声改变了，冷冰冰的水面气氛也变得不一样了。“Lowland”的这个作品的音乐曲调来自于苏格兰民谣，是苏格兰作曲家 Pavel Haas 于 1943 年在纳粹集中营里创作的，曲调惆怅，节奏缓慢，但听上去也十分悠扬、平静。女艺术家 Susan Philipsz 把这段曲子重新填词，唱出来如今人的生活感悟。她用这首有故事的歌，用自己的私人的声音改变一个公共的空间，意在鼓励站在 George V 大桥旁边的人重新思考生命的历程和意义。 所以，把这个作品的声音从大桥和水面间抽出来，放到美术馆里就仿佛把植物拔断了根，掷到真空环境里，观者听了自然会一头雾水。所以，我认为这个作品只有在大桥那里的环境中才是存在的，才是有意义的。大家如果感兴趣，也可以去 YouTube 搜这个作品的视频，要看有大桥的哦。 既然提到了，播放、传播、接受环境对于声音艺术作品的影响，那就再举个例子，著名的加拿大声音艺术家 Janet Cardiff 的作品“Forty-Part Motet，2001”. 这个作品于 2001 年第一次完成，已经去过了多个国家，多个城市，在不同的环境里展出。 这个作品内容其实很简单，就是艺术家 Janet Cardiff 录音了一个合唱团的演唱，但是不一般的是，她分别录制了每一个人的声音，最后也一对一地，用 40 个站立的音箱去播放。 在这个作品里，她谈到了这样几点：1，观者可以自由选择地去听某一个人的声音，可以自己找寻一条路径，去分别感受这段唱诵的不同声音，但同时，当回到展厅的正中间时又可以听到一个完整的合唱团的声音；2，她希望通过这个形式，让声音占据整个空间，用站立的 40 支音箱像雕塑作品一样的视觉性地存在，让“声音”有一个画面，一个阵仗，一种立体感；3，在这个作品里，观者还可以体会到每一个唱颂者自己的个人角度，一个私人的声音在一个集体的环境和空间中的感受。 这个作品一展出就成为了声音艺术的代表作，然后就开始周游列国了。然后，就体现出了这个作品的延伸意义，那就是不同的播放、传播、接受环境对观者对于这个作品理解的影响。 “The Forty Part Motet” at the Fuentidueña Chapel housed inside of the Cloisters Museum. The Forty Part Motet ，Rideau Chapel National Gallery of Canada 可以想象一下，你在空白的美术馆里，在纽约人声鼎沸的街道之间的 MoMA 感受这个作品，和在教堂昏黄的灯光下，和华丽梦幻的国家美术馆里感知这个作品，同样的声音，同样的摆设方式，环境的不同，文化背景的不同，都会给这个作品带来不同的解读。 再来简单说一下著名的日本声音艺术家 Ryoji Ikeda，他的作品很多是对纯声音的记录和研究，对于电子声音尤其迷恋。但他有一些非常厉害的装置作品。例如这个作品“THE TRANSFINITE”，也是利用了声音这个媒介来完成交互活动的声音装置，包含了用户体验、交互体验，关键是交互科技（感应、传感）的参与。 巨大的屏幕，强烈的光（如黑白闪电）和声音（raw noise）的结合，是这个作品“THE TRANSFINITE”的特色。 2012 年在纽约军械库（Armory show）展出后，人们都用了“脑袋爆炸”来形容这个作品。作品视频在此，感受下：https://www.youtube.com/watch?v=omDK2Cm2mwo 由于这个作品我写过了，就不重复了，有兴趣的看这里：当代装置艺术有哪些流派？各有哪些代表作？ - 了不起的苏小姐的回答 还有一个很有名的瑞士声音艺术家：Zimoun 他的作品可以说是标准的“声音雕塑／装置”（sound sculpture） 都是很统一的，用大量的重复，简单的动态装置，例如，转动的小球，旋转的铁丝，摇摆的木条，等物件跟纸箱子，墙壁，地面等物发生摩擦，然后发出一个集体的巨大的原声。观者走进这个环境，一面会被眼前的视觉景观震慑，然后也会被掩埋在铺天盖地的声音里。 视觉上的延伸感是我很喜欢 Zimoun 作品的一点，你会很快发现发生声音的来源和原理，但是也会被这种简单的叠加而产生的巨大效果而感到惊喜，有一生二，二生三，三生万物的感觉。 强烈推荐大家点艺术家的网站看看他的一些作品，作品很多，视频做得很好，而且都有极简主义的风格：Zimoun 最后再来说一个台湾艺术家 Hong-Kai Wang 的作品“ Music While We Work. 2011” Still from Music While We Work. 2011. Multi-channel sound and two-channel video installation. 她很有意思，她去到她的老家，一个制糖厂，然后对一些老工人进行简单的器材培训，然后就给他们发了一些录音设备，让他们自己去录音，告诉他们，用听到的声音描绘出他们的生活，原话“to paint a world composed by their listening”。 然后她就拿着设备拍摄这些老工人一边做活一边录音的生活，还有他们生活的街道，废地，厂房。 她这个双屏视频是由声音作为主题和支点的，从中可以看到一种声音的产生，一种特别的生活的声音就代表了一群人的日常生活。有很强烈的政治和社会意义。 BTW，这个作品在 2013 年 MoMA 的声音艺术展上展出过： Soundings: A Contemporary Score（August 10–November 3, 2013） 这个群展专门是针对声音艺术家策划的，也是 MoMA 历史上的第一次“声音艺术”展览，共展出了 16 位艺术家的作品。有兴趣的也可以研究下：SOUNDINGS 就写这么多吧。 希望你们觉得有用～ 欢迎直接分享知乎链接去微博和微信，但如果要转载去别的媒体，请私信联系我，谢谢。 阅读原文
